A Geometria Poética de Jandyra Waters

A década de 1950 constituiu um período decisivo para a afirmação da identidade artística e cultural brasileira. As transformações políticas e sociais de então ensejaram avanços significativos nas artes visuais, na música, no cinema, na literatura, na arquitetura, responsáveis pela inserção do Brasil no circuito internacional das artes.

A arquitetura brasileira, que a partir da década anterior já vinha despertando interesse internacional com o complexo arquitetônico da Pampulha, em Belo Horizonte, de autoria de Oscar Niemeyer, ganhou maior notoriedade com os projetos do mesmo arquiteto para o Parque Ibirapuera, em São Paulo, e para os prédios públicos da cidade de Brasília. Em 1955, o poeta pernambucano João Cabral de Melo Neto lançou o livro Vida e Morte Severina, marco da poesia social brasileira, enquanto o mineiro João Guimarães Rosa finalizava o monumental romance Grande Sertão Veredas (1956) que revolucionou a literatura brasileira com uma linguagem originalíssima e de raízes profundamente nacionais.

O cinema brasileiro cresceu com a Companhia Cinematográfica Vera Cruz, que produziu em seus estúdios de São Bernardo do Campo, em São Paulo, o filme O Cangaceiro (1953), dirigido por Lima Barreto, premiado com a Palma de Ouro do Festival de Cannes e exibido mundialmente. Em 1955, Nelson Pereira dos Santos concluiu o filme Rio 40 Graus, precursor do Cinema Novo no Brasil. Nos últimos anos da década surgiu na música brasileira a Bossa Nova, de repercussão planetária.

Nas Artes Visuais consolidaram-se o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), criados no final da década anterior. Como polos da modernidade brasileira nas artes. Em 1951, o MAM/SP criou a Bienal de São Paulo. O prêmio de Melhor Escultor nesse certame internacional de arte foi atribuído ao suíço Max Bill — líder do movimento concretista na Europa. Este reconhecimento estimulou um grupo de artistas interessados na arte geométrica que começou a se formar em torno do artista Waldemar Cordeiro em 1947, em São Paulo. Em 1952, o grupo realizou no MAM/SP a mostra Ruptura. Pouco depois, formou-se no Rio de Janeiro um outro grupo com perfil semelhante — o Grupo Frente — tendo como ponto de referência o ateliê do artista Ivan Serpa.  Os dois grupos realizaram em 1956, no MAM/SP. a I Exposição Nacional de Arte Concreta – Artes Visuais/Poesias. A mostra foi transferida, no início do ano seguinte, para o MAM/RJ, instalado no Ministério da Educação e Cultura (MEC) no Rio de Janeiro.

Desentendimentos entre Waldemar Cordeiro (Ruptura, SP) e Ferreira Glullar (Frente, RJ) inviabilizaram a II Exposição Nacional de Arte Concreta e deram origem, em 1959, ao Neoconcretismo, no Rio de Janeiro, do qual participou o poeta e crítico de arte Theon Spanudis. O neoconcretismo histórico teve vida curta encerrando-se em 1962, ano em que também os concretos de São Paulo se dispersaram. Artistas de ambos os grupos, contudo, participaram juntos das exposições promovidas pela Associação de Artes Visuais Novas Tendências realizadas em 1963 e 1964 na Galeria NT, em São Paulo, buscando reagrupar artistas de viés construtivo sobretudo paulistas e cariocas.

Foi nesse contexto que , em 1951, ano da I Bienal de São Paulo, chegava à cidade Jandyra Waters, nascida em Sertãozinho, região metropolitana de Ribeirão Preto, recém-vinda da Inglaterra, com alguma formação artística.

Seus temas eletivos eram paisagens. naturezas mortas e objetos domésticos. Diplomada pelo Country Council Art Scholl, de Sussex, procurou complementar aqui sua formação artística estudando com Takaoka (pintura), Graciano (pintura mural) André Osze (escultura), Darel e Grassmann (gravura).

Quando ocorreu a I Exposição Nacional de Arte Concreta (1956),Jandyra Waters participou pela primeira vez de uma exposição coletiva: o Salão Paulista de Belas Artes. Na década de 1950, marcada no Brasil pelo concetismo, neoconcretismo e abstração informal, sua produção permaneceu figurativa.

Essa distância em relação às tendências da arte dominantes foi superada nos anos 1960, quando conheceu Theon Spanudis, psiquiatra que emigrara para o Brasil em 1950, proveniente da Grécia, e que deixou a medicina em 1957 para dedicar-se à poesia e à crítica de arte.

A transição de Jandyra para o abstracionismo informal ocorreu em 1960, num momento de grande protagonismo do segmento, valorizado pela premiação de Manabu Mabe como Melhor Pintor Nacional na Bienal de São Paulo de 1959. As obras informais de Jandyra Waters destacam-se pela materialidade, textura espessa e paleta econômica, quase monocromática, que lhes conferem carácter enigmática e intimista. Aos poucos sua pintura foi adquirindo formas mais definidas com predominância da curva. Nesse período começou a consolidar uma paleta cromática pessoal que consideramos um dos pontos altos de sua obra. Sua pintura tornou-se extremamente dinâmica, como se cores e formas buscassem transbordar os limites da tela. Em alguns casos, áreas cromáticas de uma obra se prolongam na obra seguinte. Na sequência, elas são apresentadas sob forma de caixas com relevo em madeira e, num estágio seguinte, ganham o espaço como esculturas aéreas.

Na segunda metade dos anos 1950, sob influência de Spanudis, Jandyra adere ao Construtivismo, tendência que concebe a arte como construção e não como representação, baseada formalmente na geometria. Além de pinturas, ela criou obras tridimensionais em madeira pintada que chamou de “Templos”.

As pinturas construtivistas de Jandyra, que constituem a maior parte desta exposição, apresentam características bem definidas. A mais marcante é o uso recorrente da simetria. Dividindo-se a obra ao meio, uma metade corresponde à outra, porém invertida, criando imagens enanciomorfas como as refletidas em espelho. Em algumas obras a divisão é no sentido vertical, em outras, no horizontal e há aquelas em que o enantiomorfismo ocorre nos dois sentidos, simultaneamente. Fenômeno semelhante se observa também na Química com os isômeros óticos cujas moléculas, observadas numa câmara escura, apresentam-se invertidas. Convém lembrar que para os egípcios, a simetria era mais que uma atitude estética, um padrão de beleza; era um um símbolo de ordem, eternidade e perfeição divina. Em outros trabalhos realizados dentro dessa linha de pesquisa e realização, ela apresenta a metade da obra rebatida com uma rotação de 180 graus eoutras variações. Jandyra era fascinada pelos os jogos de posição: brincava — e brigava — com eles o tempo todo. Era seu modo de viver e de fazer arte.

Diferentemente dos artistas concretos, que trabalharam muito com o preto e branco, Jandyra utilizava sempre a cor em suas pinturas construtivas. Seus quadrados, triângulos e retângulos nascem das próprias cores, que estabelecem entre si um diálogo ora vigoroso, ora sutil, harmonioso e macio, próximo do silêncio, mas quase sempre com timbre único.

Tendo atuado num dos segmentos mais profícuos da arte brasileira no século XX — o Construtivismo — com seguidores ainda em atividade, Jandyra Waters produziu uma obra marcada pelo engenho e arte, precisão e sensibilidade, matemática e sopro criador, remetendo à expressão mathematique inspirée do poeta francês Stephane Mallarmé, que ao se referir à arte como sistema formal rigoroso, aludia à possibilidade de transformação do cálculo em beleza e da ordem em revelação. E também a Fernando Pessoa, pelo seu heterônimo Bernardo Soares, em seu Livro do Desassossego quando ele diz de que “tudo o que em mim sente está pensando”.

Jandyra Waters entrou para a história da arte brasileira e latino-americana, espaço importante da arte construtivista global, exatamente como filiada a este segmento. A maioria das obras que compõem esta exposição é de caráter construtivo, fase mais fecunda de sua produção artística.

Enock Sacramento

The Poetic Geometry of Jandyra Waters

The 1950s constituted a decisive period in the affirmation of Brazilian artistic and cultural identity. The political and social transformations of the time fostered significant advances in the visual arts, music, cinema, literature, and architecture, enabling Brazil’s insertion into the international art circuit.

Brazilian architecture, which since the previous decade had already attracted international attention with the Pampulha architectural complex in Belo Horizonte, designed by Oscar Niemeyer, gained even greater prominence with the same architect’s projects for Ibirapuera Park in São Paulo and for the public buildings of the city of Brasília. In 1955, the poet João Cabral de Melo Neto published Death and Life of Severino, a landmark of Brazilian social poetry, while the writer João Guimarães Rosa completed the monumental novel The Devil to Pay in the Backlands (1956), which revolutionized Brazilian literature through a radically original language rooted in deeply national sources.

Brazilian cinema expanded with the Companhia Cinematográfica Vera Cruz, which produced the film O Cangaceiro (1953) in its studios in São Bernardo do Campo, São Paulo. Directed by Lima Barreto, the film won the Palme d’Or at the Cannes Film Festival and was screened worldwide. In 1955, Nelson Pereira dos Santos completed Rio, 40 Degrees, a precursor of Brazil’s Cinema Novo movement. In the final years of the decade, Brazilian music witnessed the emergence of Bossa Nova, whose impact would prove global.

In the visual arts, the Museum of Modern Art of São Paulo (MAM/SP) and the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro (MAM/RJ), founded at the end of the previous decade, consolidated themselves as poles of Brazilian modernity. In 1951, MAM/SP created the São Paulo Biennial. At this international art event, the award for Best Sculptor was given to the Swiss artist Max Bill, leader of the Concrete Art movement in Europe. This recognition stimulated a group of artists interested in geometric art that had begun to form around Waldemar Cordeiro in São Paulo in 1947. In 1952, the group held the exhibition Ruptura at MAM/SP. Shortly thereafter, a similar group was formed in Rio de Janeiro – the Frente Group – centered around the studio of the artist Ivan Serpa. In 1956, the two groups jointly organized the First National Exhibition of Concrete Art – Visual Arts/Poetry at MAM/SP. The exhibition was transferred at the beginning of the following year to MAM/RJ, then housed in the Ministry of Education and Culture (MEC) in Rio de Janeiro.

Disagreements between Waldemar Cordeiro (Ruptura, São Paulo) and Ferreira Gullar (Frente, Rio de Janeiro) prevented the organization of a second National Exhibition of Concrete Art and led, in 1959, to the emergence of Neoconcretism in Rio de Janeiro, in which the poet and art critic Theon Spanudis took part. Historical Neoconcretism was short-lived, coming to an end in 1962, the same year in which the São Paulo concrete artists also dispersed. Artists from both groups nevertheless exhibited together in shows promoted by the Association of Visual Arts New Tendencies, held in 1963 and 1964 at Galeria NT in São Paulo, in an effort to regroup artists of a constructive orientation, particularly from São Paulo and Rio de Janeiro.

It was within this context that, in 1951 – the year of the First São Paulo Biennial – Jandyra Waters arrived in the city. Born in Sertãozinho, in the metropolitan region of Ribeirão Preto, she had just returned from England, bringing with her some artistic training.

Her elective themes were landscapes, still lifes, and domestic objects. Having earned a diploma from the County Council Art School in Sussex, she sought to complement her artistic education in Brazil by studying with Takaoka (painting), Graciano (mural painting), André Osze (sculpture), and Darel and Grassmann (printmaking).

When the First National Exhibition of Concrete Art took place in 1956, Jandyra Waters participated for the first time in a group exhibition: the São Paulo Salon of Fine Arts. During the 1950s, a decade marked in Brazil by Concretism, Neoconcretism, and Informal Abstraction, her work remained figurative.

This distance from the dominant artistic trends was overcome in the 1960s, when she met Theon Spanudis, a psychiatrist who had emigrated to Brazil from Greece in 1950 and who, in 1957, abandoned medicine to devote himself to poetry and art criticism.

Jandyra’s transition to Informal Abstraction occurred in 1960, at a moment of strong protagonism for the movement, heightened by the award given to Manabu Mabe as Best National Painter at the 1959 São Paulo Biennial. The informal works of Jandyra Waters stand out for their materiality, thick textures, and economical, nearly monochromatic palette, which confer upon them an enigmatic and introspective character. Gradually, her painting acquired more defined forms, with a predominance of the curve. During this period, she began to consolidate a personal chromatic palette, which we regard as one of the high points of her work. Her painting became extremely dynamic, as if colors and forms sought to overflow the limits of the canvas. In some cases, chromatic areas from one work extend into the next. Subsequently, these forms appear as relief boxes in wood and, at a later stage, occupy space as aerial sculptures.

In the second half of the 1960s, under the influence of Spanudis, Jandyra embraced Constructivism, a tendency that conceives art as construction rather than representation, formally based on geometry. In addition to paintings, she created three-dimensional works in painted wood that she called “Temples.”

Jandyra’s constructivist paintings, which constitute the majority of this exhibition, present clearly defined characteristics. The most striking of these is the recurrent use of symmetry. When the work is divided in half, one side corresponds to the other, though inverted, creating enantiomorphic images like those reflected in a mirror. In some works, the division is vertical; in others, horizontal; and there are those in which enantiomorphism occurs simultaneously in both directions. A similar phenomenon can be observed in chemistry, in optical isomers whose molecules, when viewed in a dark chamber, appear inverted. It is worth recalling that for the Egyptians, symmetry was more than an aesthetic attitude or a standard of beauty; it was a symbol of order, eternity, and divine perfection. In other works developed within this line of research and realization, she presents one half of the composition flipped with a 180-degree rotation, along with other variations. Jandyra was fascinated by positional games: she played with them – and fought with them – constantly. It was her way of living and of making art.

Unlike concrete artists, who often worked extensively with black and white, Jandyra always employed color in her constructive paintings. Her squares, triangles, and rectangles emerge from the colors themselves, which establish between one another a dialogue that is at times vigorous, at times subtle – harmonious and gentle, close to silence, yet almost always with a unique timbre.

Having worked within one of the most fertile segments of Brazilian art in the twentieth century – Constructivism – with followers still active today, Jandyra Waters produced a body of work marked by ingenuity and artistry, precision and sensitivity, mathematics and creative breath. Her work evokes the expression mathématique inspirée used by the French poet Stéphane Mallarmé, who, when referring to art as a rigorous formal system, alluded to the possibility of transforming calculation into beauty and order into revelation. It also recalls Fernando Pessoa, through his heteronym Bernardo Soares, in The Book of Disquiet, when he writes that “everything in me that feels is thinking.”

Jandyra Waters entered the history of Brazilian and Latin American art – an important sphere of global Constructivist art – precisely as an affiliate of this movement. The majority of the works that comprise this exhibition are of a constructive character, representing the most fertile phase of her artistic production.

Enock Sacramento

JANDYRA WATERS — Percursos Cromáticos

Estrangeira em tais paragens            
não me lembro como entrei               
nem se entrei sem ser chamada.       
Só sei que no auge do momento       
Soberana fiquei da eternidade.          

Jandyra Waters

A exposição Jandyra Waters agora apresentada pela Galeria Errol Fynn é uma homenagem à artista que, até os 103 anos de idade, manteve ativa e vigorosa produção artística e literária, vindo a falecer em janeiro de 2025. A mostra reúne 57 obras realizadas entre 1962 e 2016, permitindo uma visão ampla de seu percurso pictórico, no qual o tempo – percebido em ritmos, formas e cromatismos – constitui o eixo central.

Nascida em Sertãozinho, interior de São Paulo, em 1921, e criada na capital, Jandyra Waters formou-se inicialmente como secretária e estudou na Cultura Inglesa. Em 1945, viajou para a Europa para trabalhar na United Nations Relief and Rehabilitation Administration (UNRRA), organização internacional dedicada a assistir as vítimas da Segunda Guerra Mundial. Em 1947, iniciou seus estudos de pintura no Country Council Art School, em Sussex, Inglaterra, onde permaneceu até 1950. De volta a São Paulo, estudou pintura com Yoshiya Takaoka, escultura e cerâmica com André Osze, gravura com Darel e Marcelo Grassmann e pintura mural com Clóvis Graciano.

Sua inserção no circuito de arte  ocorreu no 21º Salão de Belas Artes de São Paulo, em 1956. Nesse momento Jandyra representa objetos domésticos, em composições que, através de um deliberado desalinho, revelam a intimidade presente em situações banais. Nos anos 1960 a artista se volta para o abstracionismo informal, usando texturas e tons baixos, pontuados por discretas sugestões cromáticas de cunho lírico. Aos poucos ela abandona o caráter matérico adotando tintas mais fluidas, em composições plenas de movimento e cromatismo vibrante. Em 1963, Jandyra apresentou sua primeira individual na Galeria Aremar (Campinas), participou da Bienal da Bahia em 1966 e, no ano seguinte, foi convidada para a 9ª Bienal de São Paulo. Nesse período, conheceu o psicanalista e crítico Theon Spanudis, que passou a acompanhar de perto sua produção, analisando e incentivando seu trabalho. O conjunto de 9 obras, realizadas entre 1962 e 1965, apresentado na atual exposição, revela a produção singular da artista nesse período. Um momento no qual podemos sentir a influência de Takaoka, que ensinava a seus alunos que o gesto não sai da munheca, mas nasce abaixo do umbigo, com a respiração, e, alimentado pelo ar, sobe, segue pelo braço e se estende como uma onda, até chegar à mão.

Na década de 1970, a artista ingressou em uma fase construtiva marcada pelo rigor geométrico, ainda que impregnada de sensibilidade cromática e compositiva. Spanudis interpretou essa transição como uma inflexão “apolínea” após a exuberância dionisíaca da fase anterior, inaugurando um construtivismo particular que ela desenvolveria até o fim de sua trajetória.

Entre as características mais marcantes de sua produção está a dinâmica centrífuga das composições: forças diagonais, estruturas instáveis e tensões cromáticas que transmitem movimento e expansão. A paleta, de invenção pessoal, nunca se limitou às cores originais das bisnagas. Jandyra criava luminosidades incomuns, combinando tons ousados – rosa-choque, violeta intenso, verde-bandeira, amarelos pálidos – em contrapontos que intensificam mutuamente suas vibrações. A obra de Waters também incorpora, em certos momentos, referências à geometria sagrada e seu sentido cósmico. Essa dimensão atinge sua expressão mais evidente nas séries tridimensionais, nas quais a proporção e a harmonia são tratadas como princípios universais estruturantes. Uma artista construtiva, mas nunca concreta, plena de uma  inteligência visual intuitiva, mais próxima do que se convencionou chamar de Geometria Sensível.

O conceito, cunhado pelos críticos argentinos Damián Bayón e Aldo Pellegrini em 1978, sintetiza a ideia da existência de uma estética geométrica latino‑americana que transcende o rigor racional do concretismo, oscilando entre a precisão lógica e uma sensibilidade indeterminada, intuitiva e multifacetada, configurando uma identidade artística coletiva. Entre os artistas elencados como representantes dessa ideia estão: Joaquín Torres García, Jesús Rafael Soto, Omar Rayo, Alfredo Volpi, Arcângelo Ianelli, Eduardo Sued, entre outros. Todos, sem dúvida, com uma produção muito mais próxima de Jandyra, do que concretistas históricos como Max Bill ou Waldemar Cordeiro.

O crítico Olívio Tavares de Araújo, em texto de 2009, destacou dois elementos essenciais na obra de Waters: a cor e o lirismo, ambos mediados por uma geometria rigorosa, mas, segundo ele, para os padrões concretistas, Jandyra seria “uma perfeita herege”, sem o rigor teórico ou proselitismo característico do concretismo ortodoxo. Araújo observou ainda que, se tivesse atuado no Rio de Janeiro, poderia ter se vinculado ao Neoconcretismo, movimento com o qual sua produção guarda afinidades, especialmente pela proximidade cromática e estrutural com a obra de Aluísio Carvão.

Ao longo de seis décadas, Jandyra construiu uma obra pictórica de alta intensidade formal e cromática, reconhecida por críticos como Mário Schenberg, Geraldo Ferraz, José Geraldo Vieira, Olívio Tavares de Araújo e Theon Spanudis. Suas pinturas integram acervos como o Museu de Arte Moderna de São Paulo, o Museu de Arte Contemporânea da USP, a Pinacoteca do Estado de São Paulo e o Museu de Arte Brasileira da FAAP.

Paralelamente, publicou três livros de poesia – Pedras Nuas (1974), Desvendador (1977) e Ritmo do Tempo (2001) – todos recebidos com entusiasmo pela crítica. Em sua poesia, assim como na pintura, a síntese formal convive com múltiplas camadas de significação, aproximando-se da concisão expressiva do haicai japonês. Assim, a presente exposição não apenas celebra a longevidade e a coerência de uma obra, mas evidencia a capacidade de Jandyra Waters de transitar entre linguagens e tendências, mantendo sempre a cor e o tempo como núcleos de sua pesquisa visual.

Denise Mattar

JANDYRA WATERS – Chromatic Trajectories

A foreigner in such lands
I do not remember how I entered
nor whether I entered uninvited.
I only know that, at the height of the moment,
I became sovereign of eternity.

Jandyra Waters

The exhibition Jandyra Waters, now presented by Galeria Errol Flynn, pays tribute to the artist who, until the age of 103, maintained an active and vigorous artistic and literary production, passing away in January 2025. The exhibition brings together 57 works produced between 1962 and 2016, offering a broad view of her pictorial trajectory, in which time – perceived through rhythms, forms, and chromatic relations – constitutes the central axis.

Born in Sertãozinho, in the interior of São Paulo state, in 1921, and raised in the capital, Jandyra Waters initially trained as a secretary and studied at Cultura Inglesa. In 1945, she traveled to Europe to work for the United Nations Relief and Rehabilitation Administration (UNRRA), an international organization dedicated to assisting victims of World War II. In 1947, she began her studies in painting at the County Council Art School in Sussex, England, where she remained until 1950. Upon returning to São Paulo, she studied painting with Yoshiya Takaoka, sculpture and ceramics with André Osze, printmaking with Darel and Marcelo Grassmann, and mural painting with Clóvis Graciano.

Her entry into the art circuit occurred at the 21st São Paulo Salon of Fine Arts in 1956. At that time, Jandyra depicted domestic objects in compositions that, through deliberate imbalance, revealed the intimacy present in ordinary situations. In the 1960s, the artist turned toward Informal Abstraction, employing textures and low tonalities punctuated by discreet chromatic suggestions of a lyrical nature. Gradually, she abandoned the material density of this phase, adopting more fluid paints in compositions filled with movement and vibrant color. In 1963, Jandyra held her first solo exhibition at Galeria Aremar (Campinas), participated in the Bahia Biennial in 1966, and, the following year, was invited to the 9th São Paulo Biennial. During this period, she met the psychoanalyst and critic Theon Spanudis, who began to closely follow her production, analyzing and encouraging her work. The group of nine works produced between 1962 and 1965, presented in the current exhibition, reveals the singular nature of her production at that moment – a time in which one can sense the influence of Takaoka, who taught his students that gesture does not originate in the wrist, but is born below the navel, with breathing, and, nourished by air, rises, travels through the arm, and extends like a wave until it reaches the hand.

In the 1970s, the artist entered a constructive phase marked by geometric rigor, yet permeated by chromatic and compositional sensitivity. Spanudis interpreted this transition as an “Apollonian” inflection following the Dionysian exuberance of the previous phase, inaugurating a particular form of Constructivism that she would develop until the end of her career.

Among the most striking characteristics of her production is the centrifugal dynamic of her compositions: diagonal forces, unstable structures, and chromatic tensions that convey movement and expansion. Her palette, of personal invention, was never confined to the original colors of the paint tubes. Jandyra created uncommon luminosities, combining bold tones – hot pink, intense violet, flag green, pale yellows – into counterpoints that mutually intensify their vibrations. At certain moments, Waters’s work also incorporates references to sacred geometry and its cosmic meaning. This dimension reaches its most evident expression in the three-dimensional series, also present in the exhibition, in which proportion and harmony are treated as universal structuring principles. A constructive artist, but never a concrete one, endowed with an intuitive visual intelligence closer to what has come to be called Sensitive Geometry.

The concept, coined by Argentine critics Damián Bayón and Aldo Pellegrini in 1978, synthesizes the idea of a Latin American geometric aesthetic that transcends the rational rigor of Concretism, oscillating between logical precision and an indeterminate, intuitive, and multifaceted sensibility, thereby shaping a collective artistic identity. Among the artists identified as representatives of this idea are Joaquín Torres García, Jesús Rafael Soto, Omar Rayo, Alfredo Volpi, Arcângelo Ianelli, Eduardo Sued, among others – all of them, without doubt, much closer to Jandyra’s production than historical concretists such as Max Bill or Waldemar Cordeiro.

The critic Olívio Tavares de Araújo, in a 2009 text, highlighted two essential elements in Waters’s work: color and lyricism, both mediated by a rigorous geometry. Yet, according to him, by concretist standards Jandyra would be “a perfect heretic,” lacking the theoretical rigor or proselytizing impulse characteristic of orthodox Concretism. Araújo further observed that, had she worked in Rio de Janeiro, she might have aligned herself with Neoconcretism, a movement with which her production shares affinities, especially through its chromatic and structural proximity to the work of Aluísio Carvão.

Over the course of six decades, Jandyra built a pictorial oeuvre of high formal and chromatic intensity, recognized by critics such as Mário Schenberg, Geraldo Ferraz, José Geraldo Vieira, Olívio Tavares de Araújo, and Theon Spanudis. Her paintings are part of collections including the Museum of Modern Art of São Paulo, the Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo, the Pinacoteca of the State of São Paulo, and the Museum of Brazilian Art at FAAP.

In parallel, she published three books of poetry – Pedras Nuas (1974), Desvendador (1977), and Ritmo do Tempo (2001) – all enthusiastically received by critics. In her poetry, as in her painting, formal synthesis coexists with multiple layers of meaning, approaching the expressive concision of Japanese haiku. Thus, the present exhibition not only celebrates the longevity and coherence of an oeuvre, but also highlights Jandyra Waters’s ability to move between languages and tendencies, always keeping color and time at the core of her visual research.

Denise Mattar